ARTE EN VEZ DE COPAS

Mañana 18 de Mayo, con el lema “Museos y Turismo”, se celebra el Día Internacional de los Museos en diferentes ciudades del mundo. Madrid, como cada año, lo ha festejado este fin de semana con jornadas de puertas abiertas y entrada gratuita en algunos de sus museos, ofreciendo diversas actividades para todos los públicos.

El klezmer es la música de los judíos askenazíes de Europa Oriental, compuesto por melodías populares del pueblo judío con influencias de la música clásica y el jazz. Ayer por la noche, promovido por el Museo Sefardí de Toledo, tuvo lugar un recital de klezmer en la Sinagoga del Tránsito. Una larga cola aguardaba a que se abrieran las puertas, y flotaba en el ambiente una sensación extraña al tratarse de un sábado por la noche. Cuando comenzó el espectáculo, el público observaba con curiosidad las vestimentas de los intérpretes, así como los instrumentos que los acompañaban. Las melodías que tocaron, muy expresivas, incorporaban sonidos humanos tales como risas, llantos, e incluso aullidos.

Los museos por la noche se transforman; sufren una metamorfosis. Adquieren un carácter especial, misterioso y enigmático, casi mágico, que invita al visitante a la introspección y a la evasión, y que en nada se parece al aspecto serio y formal que presentan durante el día. Resulta increíble el público tan diverso que puede acudir a un museo en horario nocturno: desde familias con niños, hasta jubilados, pasando por jóvenes de todas las edades y multitud de parejas, quienes aprovechan la atmósfera de silencio y calma para pasear agarrados del brazo entre las obras de arte.

Son las doce de la noche y en el Museo Thyssen Bornemisza, algunos niños corretean (los que aún tienen fuerzas para ello), mientras otros bostezan (tratando de “huir” de allí, pues lo que ocurre a su alrededor les resulta terriblemente aburrido). Sus padres, en un intento desesperado por disfrutar de las exposiciones, tanto temporales como permanentes, que estarán abiertas al público hasta la una de la madrugada con carácter gratuito, los mandan callar y amenazan con castigos y cosas similares. Resulta incomprensible cómo se les ocurrió acudir a un lugar como este con niños, algunos con edades comprendidas entre los 3 y los 6 años, sabiendo la habitual actitud de rechazo que muestran los niños hacia los museos.

Edward Hopper (1882 - 1967) "Hotel Room, 1931" Museo Thyssen-Bornemisza FUENTE: Huma 3

Edward Hopper (1882 - 1967) "Hotel Room, 1931" Museo Thyssen-Bornemisza FUENTE: Huma 3

Una iniciativa del Ministerio de Cultura, promovida por el Ministerio francés de Cultura y Comunicación,  llevó el arte a la bulliciosa noche madrileña, de la mano de ‘La Noche de los Museos’, ayer día 16 de mayo (y que continúan hoy día 17). Por primera vez, los tres museos del Paseo del Arte (Museo del Prado, Museo Thyssen Bornemisza y Museo Reina Sofía), ampliaron su horario y abrieron sus puertas a todo aquél que buscara un plan alternativo para la noche del sábado. Algunos otros museos siguieron su ejemplo, como la Fundación Joan Miró, o el Museo Arqueológico Nacional, entre otros. El Paseo del Arte fue adornado con una iluminación muy especial compartida por los tres centros, cuyas lucecitas titilaban en la noche al compás de los pasos de los visitantes, e hipnotizaban a todo aquél que permaneciera con la vista fija en ellas.

Tras observar el espectáculo lumínico, encaminamos nuestros pasos hacia el Museo Reina Sofía, donde ardíamos en deseos de ver algo en concreto, la exposición Goya en tiempos de guerra, que permanecería abierta al público hasta la 1 de la mañana. La muestra, formada por cerca de 200 obras, muestra el trabajo realizado por el pintor a lo largo  de 25 años de su vida, y nos acercan a los cambios que vivió España a nivel político y social. La primera fecha que hayamos es 1974, cuando Goya se queda sordo, y su pintura inicia una nueva etapa. Las últimas obras son de 1819, cuando, muy marcada por la enfermedad, su obra adquirirá un tono más religioso.

Una niña observa las majas de Goya. FUENTE: imagen propia
Una niña observa las majas de Goya. FUENTE: imagen propia

Satisfechos y contentos, nos dirigimos hacia la salida, y observamos con atención a nuestro alrededor: como nosotros, mucha gente había decidido cambiar, sólo por un fin de semana, las copas por el Arte.

REPORTAJE: LA MAGIA NIPONA LLEGA A MADRID

Durante el ciclo “Madrid en Danza” que acaba de concluir, los espectadores pudieron asistir, entre otros espectáculos, a una particular visión del Imperio de Sol Naciente, a través de una de sus expresiones artísticas  más manifiestas y características: la danza. La afluencia de público al espectáculo titulado “El rio de verde musgo-desde la orilla opuesta”, da buena fe de ello.

La danza butoh

El butoh es un género de danza que apareció en Japón en los años cincuenta, desarrollado por el maestro Tatsumi Hijikata a partir de su colaboración con Kazuo Ohno. En 1959, Hijikata estrena, rodeado de escándalo, un espectáculo rompedor de nueva danza que bautiza como Ankoku Butoh: la danza de la oscuridad, inspirada en las terribles imágenes que vivieron tras los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki.Caracterizado por su enigmático lenguaje y su extraordinaria riqueza visual y metafórica, el butoh combina danza, teatro e improvisación con influencias de las artes escénicas de la tradición japonesa. Con el butoh, el cuerpo vuelve al origen, a la esencia del movimiento.

Representación de danza butoh. FUENTE:Japón Artes Escénicas
Representación de danza butoh. FUENTE:Japón Artes Escénicas

 Sobre el escenario, una danza del instante, el acercamiento íntimo y abstracto a las cosas. El movimiento de la quietud y la observación. El espectador debe abrir su mente a nuevas experiencias y manifestaciones artísticas, pues nada de lo que haya visto hasta ahora le servirá de referente para saber qué actitud mostrar ante los bailarines. Muchos dicen que se requiere de una sensibilidad muy especial para comprender la esencia del butoh, que puede conmoverte hasta las lágrimas o dejarte totalmente indiferente.

El protagonista

Dakei, director artístico de Shizuku, quedó sordo a los dos años de edad. En sus espectáculos, que integran elementos occidentales y música experimental interpretada en directo, Dakei muestra una intuición de gestos contenidos, capaces de retener la poesía y la belleza con precisión minimalista.

La carrera artísitica de Dakei empieza en 1996 con el Teatro Japonés de Sordos. En 1997, Kinya Zulu Tsuruyama, coreógrafo y director artístico del grupo de danza butoh Yan-Shu (ING), descubre su talento y le invita a unirse a su compañía. Desde entonces, Dakei participa en todas las creaciones de Yan-Shu, que se han presentado en festivales como Tiny Alice Festival, Fringe Dance Festival, Dance Selection in Tokio, San Francisco Butoh Festival y Festival delle Rocche in Torino, entre otros muchos.

Dakei en un momento de su última creación. FUENTE: Teatro de La Abadía
Dakei en un momento de su última creación. FUENTE: Teatro de La Abadía

En el año 2000, Dakei funda su propia compañía, Shizuku, con la que ha estado de gira en distintos países de Europa y Asia. Este mismo año, se doctora en Pintura al óleo, especialidad en Técnicas y materiales, por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio.

La compañía

Shizuku es una agrupación japonesa de danza butoh capitaneada por Dakei, quien ejerce al mismo tiempo de director artístico, coreógrafo, bailarín y artista de instalaciones. Entre sus coreografías, caracterizadas por una cualidad orgánica y por la inclusión de música en directo, se encuentran “Dai-Dai” (2000), “El fondo de la nave” (2001), “Studio per haiku” (2001), “Konata to kanata” (2002), “Negare to yodomi” (2003), “La última posada junto al hito” (2004), “Junto al hito” (2004), “Indabi” (2004), “Dancing Octavio Paz” (2006), “Mossgreen River” (2006) y “Ekisetdu” (2008).

Dakei rodeado de sus bailarines. FUENTE: Teatro La Abadía

Dakei rodeado de sus bailarines. FUENTE: Teatro La Abadía

La compañía también tiene experiencia en películas como “Pistol Opera”, de Seijun Suzuki; “Lunacy”, ideada por Dakei y Wilson Chick; y “Honzomon”, un vídeo de Danny Panullo. Además imparte talleres de butoh tanto en Japón como en otros países.

La obra

“El rio de verde musgo-desde la orilla opuesta” se inicia con una mujer tendida, que no mueve ni un músculo, y dos hombres tendidos a su lado; cada uno de ellos es capaz de conservar la misma postura el tiempo que sea necesario sin variarla lo más mínimo. Con la totalidad de su cuerpo pintado de blanco, descalzos, y un vestuario más que sencillo, son capaces de contar una historia. ella representa el musgo y viste de verde; ellos son las dos caras de una misma persona, cuyo atuendo consiste en una falda y una manga, en colores marrón y granate respectivamente.  El único elemento externo a su proio cuerpo que figura sobre el escenario, es una cinta de seda de color verde que representa al río. Dakei no necesita nada más para sumergirnos en su mundo particular.

Así, huyendo de toda escenografía o decorado que pudiera distraer la atención del público, el bailarín y coreógrafo nos abre su corazón y se muestra tal y como es, sin artificio de ningún tipo. Su intención queda reflejada claramente en el acompañamiento musical en directo, a cargo de dos músicos (uno de ellos japonés y el otro sueco), que interpretan instrumentos tradicionales japoneses como el shamisen. Este instrumento de cuerda es apto para muchas de las interpretaciones tradicionales, ya que es capaz de producir un amplio espectro tonal y está construido con una estructura de madera cubierto con una piel de animal tensada. Las tres cuerdas, que se extienden desde la caja hasta el extremo del mástil, son rasgueadas con la ayuda de una púa grande.

Intérpretes de danza butoh. FUENTE: Gothic World
Intérpretes de danza butoh. FUENTE: Gothic World

“El rio de verde musgo-desde la orilla opuesta” invita al espectador a suspender su conciencia de la realidad durante una hora, y sumergirse en el silencioso universo de Dakei quien se inspira en estos versos (que pertenecen a un poema más largo) para crearlo:

“En el río se refleja todo lo creado / y fluye por su propio albedrío / Abrazando al tiempo la profundidad y la superficie/ avanza entre las dos orillas/ Es la linde el río/ no tiene ningún designio/ en separarse en dos/ El verde de musgo/ que aparece solo en esta estación/ nunca permanece igual”.

Rodeado de silencio, Dakei parece escuchar con su cuerpo.

 “El bailarín y actor japonés es sordo, pero posee ese ritmo interno que marca el discurrir de esta danza introspectiva”.

-El País

ENTREVISTA A PEPE RIVERO, PIANISTA. “DESDE LA EDAD DE PIEDRA LOS MÚSICOS YA NOS ESTAMOS FUSIONANDO”

Pepe Rivero, pianista, compositor y arreglista, está graduado en el ‘Instituto Superior de Arte de La Habana’, en la especialidad de piano, en la que posteriormente ejerció como profesor de improvisación, y ritmos cubanos y latinos. Trabajó como pianista y teclista de una de las principales figuras mundiales de la timba, el cantante Isaac Delgado, durante 5 años. Su prodigiosa técnica le ha abierto las puertas de los más prestigiosos festivales de jazz del mundo, como los de Washington, New York, New Haven, Montreal, Montreux, Aarhus (Dinamarca), Estoril, Bologna, Marsella y Galapajazz.

Espero a Pepe Rivero en la puerta de la Escuela de Música Creativa, situada en pleno centro de Madrid. Ya me han avisado de que la puntualidad y los músicos no suelen ser buenos amigos, y dentro del gremio los pianistas no son una excepción, por lo que no me impaciento. Al contrario, aprovecho el tiempo para observar su lugar de trabajo y escuchar las opiniones que algunos compañeros me ofrecen sobre él: concertista soberbio, profesor paciente y entregado, músico de corazón. Y debe serlo si Celia Cruz lo eligió como acompañante para varios de sus discos, uno de ellos premiado con un Grammy.

Veinte minutos después de lo acordado aparece caminando por la callejuela, con una mochila al hombro, y la habitual tranquilidad cubana. Diez años en España, no han logrado disimular ni una pizca su acento nativo, así como el tráfico de la capital no la logrado quitarle la sonrisa de la cara, ni su buen humor característico. Se disculpa entre risas. Entramos en un pequeño bar de la calle La Palma casi vacío, y pedimos el desayuno: zumo y croissant para él; café para mí. Compartiendo algo tan cotidiano resulta difícil imaginar que este hombre de 36 años haya actuado en festivalesde jazz tan importantes como los de Nueva York y Montreal, que sea director de una ‘big band’ -la Creativa Jazz Latino Big Band– y que, noche tras noche, llene los locales de Madrid con la mejor música en directo.

Pepe Rivero (3º por la izquierda) junto con el resto de miembros de la Creativa Jazz Latino Big Band. FUENTE: www.peperivero.com/fotos/

Pepe Rivero (3º por la derecha) junto con el resto de miembros de la Creativa Jazz Latino Big Band. FUENTE: Pepe Rivero

Olvidadizo con los nombres de los lugares y las personas que han cambiado su vida, sencillo, amable, hablador. Dice no estar acostumbrado a las entrevistas, aunque recientemente una periodista le haya hecho unas preguntas a la salida de un concierto. “Espero que no te quiten la exclusiva”, bromea. Entre el olor a café y tostadas, iluminado por el sol matinal, y sentado en un pequeño sofá, la imagen de Pepe Rivero es, en definitiva, la imagen de un músico feliz.

PREGUNTA: ¿Por qué el piano, y no otro instrumento? 

RESPUESTA: Realmente lo que yo quería tocar era el saxofón, que fue lo que ví desde que abrí los ojos. Nací en una familia de músicos y, de hecho, mi padre es saxofonista. Pero entré en la escuela de música con sólo cuatro años, que no es edad suficiente para tocar un saxofón; no se tiene suficiente fuerza para soplar. Y así fue que comencé con el piano.

P. ¿Nunca lo volvió a retomar?

R. En la escuela intenté cambiarme a saxofón cuando ya era algo mayor, o incluso tocar los dos instrumentos, pero no me dejaron los profesores. De todas formas, a mí me gusta el piano. Hace poco he empezado a aprender a tocar el saxofón, pero lo tengo como hobbie.

P. Su primera gira de conciertos en 1996, lo llevó junto a Isaac Delgado a ciudades como Washington, Nueva York y Montreal. ¿Les resultó muy complicado traspasar la frontera norteamericana?

R. No, porque es esa época estaba Clinton de presidente, y las relaciones con Cuba se relajaron bastante. Las autoridades hicieron “la vista gorda” , por lo que todos los artistas cubanos entraron en el país sin problemas. Claro que todo era a través de contratos con universidades; mediante un visado de enseñanza. A todo lo que sean becas, y posibilidades de que otros aprendan no pueden negarse. Y bueno, hicimos las dos cosas: ofrecer conciertos y clases magistrales.

“Todo lo que hago es con mucho amor. Enseño hasta donde yo sé; nunca escondo nada”

 

Pepe Rivero componiendo. FUENTE: www.peperivero.com/fotos/

Pepe Rivero componiendo. FUENTE: Pepe Rivero

 P. Muy pronto empezó como profesor. ¿Qué es más gratificante, ver lo que otors aprenden através de sus enseñanzas, o tocar su propia música?

R. Las dos cosas. Siempre me ha gustado enseñar, y en Cuba la música y el arte se han enfocado siempre de forma particular: al tiempo que te forman como concertista, también lo te forman como profesor de música, como pedagogo. Estudias música y tienes un puesto de trabajo asegurado en tu profesión. Desde los 15 años estoy dando clase, y es muy gratificante ver cómo alguien que empieza de cero va aprendiendo y creciendo al mismo tiempo.

P. ¿Se considera buen profesor?

R. No creo que sea el mejor. Pero todo lo que hag es con mucho amor. Enseño hasta ´donde yo sé; nunca escondo nada. Suele pasa, sobre todo en el mundo del jazz, que los profesores sólo enseñan hasta un punto. A mí me da igual. Al contrario: si hay un alumno que resulta ser mejor que yo, pues mira, contento de haber puesto un grano de arena en ello.

P. ¿Y el camino hasta España?

R. Moverse por el mundo como artista desde Cuba nunca ha sido fácil. Isaac Delgado, con quien yo trabajaba cuando llegué a España, pensó que era mucho más sencillo realizar giras desde Europa. Los del grupo escogimos España como “albergue”, ya que apenas parábamos por quí, y volvíamos a Cuba cada tres meses. Luego comezamos a relacionarnos y a colaborar con Celia Cruz; como orquesta suya. Y así, un buen día, el grupo entero se quedó aquí.

P. Contentos, ¿no?

R. Sí. Además nos hicieron un contrato de trabajo en la discográfica de Celia Cruz. Aparte, España no es muy diferente culturalmente de Cuba, es como si estuviera en casa. Siempre pasa: donde hay mucho sol, la gente es muy alegre.

 P. Ha colaborado con artistas de la talla de Miguel Ríos y Ana Belén. ¿Con cuál de ellos disfrutó más?

R. Cada uno son un mundo diferente. Ana Belén es una bella persona, he trabajado con ella varias veces. Y Miguel Ríos es muy extrovertido. Son personas que, tal y como los ves, así mismo son en persona.

P. Su trabajo ha sido reconocido con premios internacionales de gran prestigio ¿Considera el Grammy junto a Celia Cruz el más importante?

R. Premiarona Celia, pero yo grabé el disco. Es importante. Pero más importante sería, si uno lo ve así, si me hubieran premiado a mí directamente. Eres tú. Los premios que yo más valoro son los de Composición de Jazz Latino de la SGAE, que he recibido dos años consecutivos. Aunque no sea un Grammy, me lo están dando a mí por mis composiciones.

Pepe Rivero ensayando con Machado, uno de los miembros de su banda de jazz. FUENTE: Pepe Rivero

Pepe Rivero ensayando con Machado, uno de los miembros de su banda de jazz. FUENTE: Pepe Rivero

P. Su trayectoria  se caracteriza por la mezcla de estilos. ¿La música más rica es aquella fruto del mestizaje?

R. Sí. Fusión se dice ahora. Yo creo que la fusión existe desde que estábamos en taparrabos. En la Edad de Piedra los artistas ya se fusionaban. Con la facilidad para viajar, y comunicarse, la música se ha enriquecido mucho más. Los músicos siempre se han influído entre ellos; ahora pasa lo mismo pero de manera más global. En mi caso tengo la suerte de trabajar en varios proyectos distintos: salsa, jazz, flamenco… Y todos ellos me encantan. Por otra parte, cuando son casos de fusiones con música latina. Te lo pasas mejor todavía. Cuanta más mezcla haya, mejor.

“Con los músicos nunca se sabe somos de naturaleza nómada”

P. ¿Sus planes de futuro? 

R.Mejorar como profesor y como músico, simplemente. Y seguir con la banda y con la escuela. 

P. Cuba está sufriendo cambios importantes. ¿Piensa regresar algún día?

R. No lo creo porque tengo mi familia aquí; mi  mujer y mis hijos. Además, la mayoría de músicos cubanos que conozco han salido de Cuba. Pero tampoco puedo decir “de este agua no beberé”, porque con los músicos nunca se sabe, somos de naturaleza nómada.

Para más información acerca de Pepe Rivero puedes visitar su página web www.peperivero.com donde encontrarás su biografía, fotos, mp3’s….

LLEGA LA XXIV EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL ‘MADRID EN DANZA’

Desde el 14 de abril y hasta el próximo 4 de mayo, Madrid amanecerá bailando al son de ‘Madrid en Danza’. Su XXIV edición acercará a la capital y a 12 municipios de la región, 24 espectáculos de 23 compañías distintas, doce españolas y once de otros países, que reflejarán su riqueza en todos sus estilos y variedades.

Dos compañías extranjeras inaugurarán el festival este año, por un lado, la compañía iraquí de Muhanad Rasheed, Iraqis Bodies, y por otro, la griega Adlibdances, de la coreógrafa y bailarina Kat Valastur. Ambas compañías actúan 14 y 15 en el Teatro Pradillo, en una programación doble y dentro del ciclo Generación 2.0, un nuevo bloque de programación, dedicado a los jóvenes creadores coreográficos. La coreógrafa ateniense Katerina Papageorgiu, que actúa por primera vez en España, llevará a escena ‘What Scratches the glass from the inside’ (‘Lo que raya el cristal desde dentro’) que ya presentó en el Festival de Atenas en 2008 y que le hizo merecedora del Premio Jarmila Jerabkova en el Festival de Praga. Kat Valastur, por su parte, pondrá sobre el escenario ‘Crying of my mother’ (‘Llorando a mi madre’)

Ambas compañías en el Teatro Pradillo. FUENTE: http://www.europapress.es/cultura

Ambas compañías en el Teatro Pradillo. FUENTE: Europapress

También dos compañías de la Comunidad de Madrid actuarán esta primera semana del festival. Es el caso de Kytatioh Co, formada por Pedro Berdäyes y José Reches, que mostrarán el 14 y 15 de abril su ‘Punctum’ en la Sala Cuarta Pared, y de Provisional Danza, de Carmen Werner, que presentará ‘Sin Dios’ en la sala B de los Teatros del Canal los días 15 y 16 de abril.

Los municipios de Madrid en los que también se desarrollará la propuesta son La Cabrera, Alcalá de Henares, Collado Villalba, Coslada, Getafe, Las Rozas, Majadahonda, Mejorada del Campo, Navalcarnero, Pinto, Pozuelo de Alarcón, Valdemorillo y Velilla de San Antonio. ‘Madrid en Danza’ trae consigo propuestas muy interesantes para los próximos días, tanto de carácter nacional, como internacional. Algunas de las más destacadas son: los Ballets de Montecarlo, con una revisión en clave de ballet neoclásico de ‘Fausto’; la compañía británica de Candoco Dance Company con ‘The perfect Human/Still’ y la brasileña Mimulus Cia de Danza con ‘Dolores’, una muestra de bailes de salón.

 "Monger" de Barak Marshall, danza contemporánea desde Israel. FUENTE: http://www.danzaballet.com/

"Monger" de Barak Marshall, danza contemporánea desde Israel. FUENTE: Danzaballet

También visitarán el festival las danzas japonesas butoh de Dakei, un bailarín japonés que se quedó sordo a los dos años, y la danza experimental rusa de la compañía Iguan Dance Theatre con ‘Radiodance/Love and Consumerism’.

Además, ‘Madrid en Danza’ ofrece, como uno de sus platos fuertes, el estreno en Europa de ‘Nearly Ninety’ (‘Casi noventa’),días después de su estreno absoluto en Nueva York, un montaje de Merce Cunningham, con el que el emblemático coreógrafo norteamericano celebra su 90 cumpleaños. Leyenda viva de la danza contemporánea, Cunningham cuenta para esta ocasión, con la música del que fuera bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones. Pondrá también banda sonora a la obra el grupo Sonic Youth, y los audiovisuales correrán a cargo compositor multimedia Takehisa Kosugi. Como broche final a una creación redonda, la encargada de la escescenografía ha sido la arquitecta Benedetta Tagliabue. La obra que estará en cartel del 30 de abril al 3 de mayo en los Teatros del Canal.

Pieza de Mercé Cunningham titulada "eyeSpace"FUENTE: http://www.realtimearts.net/data/images

Pieza de Mercé Cunningham titulada "eyeSpace"FUENTE: Realtimearts

El coreógrafo en una instantánea reciente. FUENTE: www.ballet-dance.com

El coreógrafo en una instantánea reciente. FUENTE: Ballet-dance

La programación completa y el calendario de eventos puedes encontrarlos en la página web del festival. Además, si estás interesado en la propuesta, reserva tus entradas online en www.atrapalo.com y obtendrás un 50% de descuento.

MADRID SE DISFRAZA PARA ACOGER ‘LA NOCHE DE LOS TEATROS’

Los aficionados al teatro, y al espectáculo en general, tienen una cita obligada con Madrid este fin de semana. La tercera edición de ‘La Noche de los Teatros’ (LNT) tendrá lugar el próximo viernes, 27 de marzo de 2009, en una noche en la que el arte sale a la calle y se acerca a todos.

Los espectáculos callejeros y gratuitos constitui- rán el plato fuerte para interesados y curiosos, aderezado con dosis de humor y música en directo. Cabe destacar también que muchos espacios reducirán sus tarifas para hacerlas más asequibles y promocionar su actividad. Así, en ‘La Noche de los Teatros’ (LNT) volverá a haber descuentos de hasta el 50% para asistir a alguna de las más de 100 obras actualmente en cartel, aunque esta rebaja no es lo más aprovechable de la jornada.

Las artes escénicas tomarán céntricas calles como Fuencarral y plazas como Vázquez de Mella o Santa Ana, en el marco de una programación especial desde las 17.00 horas del viernes hasta las 02.00 del sábado. El resultado serán más de nueve horas de programación en 107 espacios, con 170 actividades y 600 artistas. Cifras que en euros se traducen en “cerca de los 400.000 euros” que destina la Comunidad de Madrid a este evento -según el consejero de Cultura, Deporte y Turismo, Santiago Fisas (declaraciones a larioja.com).

La FNAC de Callao la edición pasada. FUENTE: farm4.static.flickr.com

La FNAC de Callao la edición pasada. FUENTE: farm4.static.flickr.com

Entre las novedades de esta edición, destaca que se amplía la oferta fuera de la capital, con la incorporación de espacios en 12 municipios (Leganés, Torrelodones, Coslada, San Martín de la Vega, Móstoles, Fuenlabrada, Pozuelo, Mejorada del Campo, Arroyomolinos, Velilla de San Antonio, Aranjuez y Getafe). También que a la jornada se suman por primera vez locales y salas de música en vivo y flamenco.

Se trata de celebrar el Día Mundial del Teatro de la mejor forma posible. Jornadas de puertas abiertas, visitas guiadas y la posibilidad de asistir a ensayos de la compañía nacional de Danza, son parte de la oferta cultural que se pondrá a disposición de turistas y habitantes de Madrid durante ese día. Todo un abanico de posibilidades escénicas que se desarrollarán por toda la región,  con el propósito de difundir los espacios donde se representan obras teatrales, y especialmente para crear afición.

Grupo Dani Pannulllo actuando la edición pasada en el centro de Madrid. FUENTE: www.elpais.com
Grupo Dani Pannullo actuando la edición pasada en el centro de Madrid. FUENTE: www.elpais.com 

Muchas son las actividades que tendrán lugar a la misma hora, e incluso que coincidirán en distintas localizaciones, por lo que resulta imposible asistir a todas. Te proponemos algunas de las más interesantes: ‘Fiebre del Sábado Noche’, en plena Gran Vía; Jam Session Momentum de Mayumaná, en la Plaza Tirso de Molina; Live-painting (pintura en vivo) de Suso 33 en la fachada del Instituto Cervantes; teatro en la calle Fuencarral; Cabalgata Barroca de Teatro a cargo de la compañía Morboria Teatro, con amplia trayectoria en espectáculos de calle, con salida de los Teatros del Canal (Bravo Murillo, 47), hasta la Glorieta de Bilbao. También: Jazz en la Plaza del Carmen; teatro cómico en la calle, con el espectáculo “La cama”, de Adrian Schvarztein, en la Plaza de Santa Ana; y canapés variados en la Plaza de Vázquez de Mella con música de la mano de alumnos del Real conservatorio Superior de Música.

Cabalgata barroca que recorrerá las calles de Madrid. FUENTE: www.elmundo.es

Cabalgata barroca que recorrerá las calles de Madrid. FUENTE: http://www.elmundo.es

Descarga del programa completo en versión PDF 

POP Y FOLK ROCK EN EL MADRID DE LOS AUSTRIAS

“Amaral” el dúo maño-bilbaíno, ganador del último Premio de la Música al mejor álbum de pop por “Gato Negro Dragón Rojo”, ha conformado un espacio propio en el centro de Madrid, en donde ha juntado todo su equipo de sonido en un pequeño pero práctico estudio de trabajo.

Dice Eva Amaral: “Somos muy caóticos a la hora de componer”, y apunta Juan: “Para nosotros hacer canciones no es un trabajo al uso, no es como ir a la oficina todas las mañanas de 8 a 3”. Por eso su último trabajo es un disco doble que vendió más de 110.000 copias en cinco meses. 

“Amaral” es un conjunto musical de Zaragoza formado por Eva Amaral (vocalista y compositora) y Juan Aguirre (guitarrista y compositor). Con un estilo de Folk Rock y con letras de contenido poético, Amaral ha vendido entre sus cuatro discos más de dos millones de copias.

Eva Amaral y Juan Aguirre. FUENTE: www.quieroletras.com

Eva Amaral y Juan Aguirre. FUENTE: http://www.quieroletras.com

El grupo se fundó en 1997, el 1 de enero. Ambos componentes se conocieron en un estudio de grabación de Zaragoza, y cada uno pertenecía a un grupo distinto. Juan colaboró con Eva en una canción, y a raíz de este trabajo surgió una gran amistad. “Antes trabajábamos en mi casa, pero poco a poco ha ido convirtiéndose en una leonera, con todo el equipo y los ordenadores en el pasillo”, confiesa Juan. El cambio ha sido sustancial y para bien: dos salas en los bajos de un edificio histórico, en el viejo Madrid de los Austrias. El inmueble se encuentra rodeado de estatuas y parques, para que la rara placidez urbana rodee el continuo work in progress de esta pareja de obreros de la música.

 

Portada de su último disco. FUENTE: www.zaragozeame.es

Portada de su último disco. FUENTE: www. zaragozeame.es

Eva explica; “Nosotros estamos componiendo constantemente”, y su compañero asevera: “no tenemos eso que llaman sequía creativa”. Sin miedo al síndrome del folio (o la partitura) en blanco, la pareja rompe esquemas sexistas ya que “las canciones pueden venir de uno, de otro o de los dos. Lo que nunca hacemos es grabar algo que no nos convenza a ambos”.

A su alrededor sólo necesitan “guitarras, ya que, aunque el peso instrumental lo lleva más Juan”, afirma Eva, “yo también toco y escribo canciones a partir de un riff, una rítmica o una figura musical”. Eva además se ha comprado una batería, por puro placer y por partir también de ritmos básicos a la hora de crear nuevos temas. Juan cuenta que ella es experta en sonidos de amplificador de guitarra y que con los ojos cerrados se siente capaz de adivinar cuál de los muchos que acumulan en el local está enchufado.

Tras recoger varios galardones en los Premios de la Música. FUENTE: www.actualidadmusica.com

Tras recoger varios galardones en los Premios de la Música. FUENTE: http://www.actualidadmusica.com

Otra cosa que ambos necesitan tener cerca mientras trabajan es el calor de los amigos. Eva se retira antes y deja a Juan trabajar de noche: “Soy más noctámbulo que ella. Para eso y para todo”. (FUENTE declaraciones: www.elpais.com ).

OJOS DE BRUJO TRAE DE NUEVO LA RUMBA A LA CAPITAL

Tres son los aspectos que definen el último trabajo del grupo catalán y que lo diferencian de sus anteriores trabajos: se trata de un disco más redondo y asequible, la rumba gana peso específico y se acentúa el deje latino.

Otra de las características que lo distnguen de trabajos anteriores es que “Aocaná” (ahora, en caló), se publica hoy a través de WEA, una multinacional, y se presentará en Madrid, Barcelona, Bilbao y Miranda de Ebro. Ramón Jiménez (guitarra), Marina “La Canillas” (voz) y Xavi Turull (percusión) son el cogollo de Ojos de Brujo. Reconocen que gestionar el lanzamiento internacional de su tercer disco por medio de independientes distintas en cada país, fue una equivocación que les trajo numerosos quebraderos de cabeza.  

Ojos de Brujo al completo. Fuente:ttp://www.universaltopmusic.es

Ojos de Brujo al completo. FUENTE:ttp://www.universaltopmusic.es

“Con WEA todo está claro. Han comprado lo que somos y lo van a trabajar. Nosotros a lo nuestro, que es la música”, afirman tras uno de los ensayos en los que ensamblan el nuevo repertorio del grupo que ayudó a poner Barcelona en el mapa musical internacional. (Fuente declaraciones: El País.com). Respecto al recuperado protagonismo de la rumba, Marina señala: “La rumba catalana es nuestro estilo, lo hacemos bien, tenemos lenguaje y además lo pasamos bomba con ella. Hemos metido pocas rumbas en discos anteriores, y cuando “Techarí” había un boom rumbero que nos decidió a poner sólo una en el disco. Ahora hemos creído que volvía a ser el momento de la rumba para Ojos”. Para Marina, el tercer disco “era del todo rococó, nos liamos mucho al hacerlo, las canciones tenían bastantes planos y cambios de ritmo. Sin embargo, lo que ahora nos sale simple no queremos complicarlo”. 

El grupo durante un concierto. Fuente: http://www.diariosur.es

El grupo durante un concierto. FUENTE: http://www.diariosur.es

 La gira internacional que inicia uno de los grupos españoles más creativos y respetados internacionalmente también pasará por la capital, donde se les podrá ver el lunes 23 de marzo en el Palacio de Congresos de Madrid. Otros eventos en España son los que tendrán lugar en su ciudad natal, Barcelona, el día 25 de este mes, en L’Auditori; el jueves 2 de abril cuando actuarán en el Rockstar Live en Bilbao, y el jueves 29 de mayo, junto a Emir Kusturica en el Centro andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla. También habrá eventos internacionales.  

  

DANZA, TEATRO Y MÚSICA EN LOS NUEVOS TEATROS DEL CANAL

  1. Con Albert Boadella al frente de la dirección artística, los Teatros del Canal abrieron sus puertas el pasado 20 de febrero, con una programación que incluye danza, teatro y música. Tras 6 años de obras y más de 100 millones de euros de coste, el proyecto se inauguró con el espectáculo “Una noche en el canal”  y la idea de acercarse a todos, no sólo a los “exquisitos”, según Boadella.

Este nuevo espacio escénico propiedad de la Comunidad de Madrid es obra del arquitecto Juan Navarro Baldeweg. Construido sobre un solar de 8.750 metros, está compuesto por tres edificios: la Sala A, con un aforo de 851 butacas; la B, diseñada para permitir aforos com- prendidos entre los 400 y los 722 espectadores; y un Centro Coreográfico que cuenta con 9 salas de ensayo. Todo ello con una superficie construida total de 35.520 metros cuadrados.

teatros-aerea1

FUENTE: espormadrid.blogspot.com

A la representación inaugural “Una noche en el canal” le siguió desde el día 26 “La cena”, una obra de Els Joglars sobre “la nueva religión del ecologismo”. Un retrato del fundamentalismo que ha sustituido a lo laico, “porque la gente no ha perdido su apego a creer sino a pensar”, afirma el director de la compañía. El cartel de ‘Agotadas todas las localidades’ colgó de las taquillas para las cuatro primeras repre- sentaciones, de jueves a domingo.  Pero la propuesta seguirá en cartelera hasta el próximo 12 de abril. En su presentación participaron el consejero de Cultura, Deporte y Turismo, Santiago Fisas, el director artístico de los Teatros del Canal y director de la Compañía Els Joglars, Albert Boadella, y Ramón Fontseré. 

la-cena1

FUENTE: muebt.wordpress.com

Protagonizada por Ramón Fontseré, la obra, que ya ha estado de gira el año pasado en buena parte de España, cuenta la historia de un cocinero que debe preparar una cena para las personalidades que asisten a una convención medioambiental en España. Se presenta como “una sátira sobre los nuevos tartufos, dis- frazados hoy de paladines del altruismo y el progreso sostenible”, con temas como el medio ambiente y el cambio climático.

El reparto lo componen, además de Fontseré, los actores Pilar Sáenz, Xavi Boada, Jordi Costa, Jesús Agelet, Lluís Olive, Dolors Tuneu, Minnie Marx y Xavi Sais. “La cena” pretende mostrar la frivolidad con la que las administraciones políticas tratan las cuestiones que tienen que ver con la naturaleza y el medioambiente. Ya que plantea que el fomento de los temas ecológicos que “engendran una nueva moda que inspira su tratamiento como forma contem- poránea de religión”, concluye Boadella.

 

 Al montaje, que ya puede verse en la sala A de los Teatros, le seguirán atracciones como la soprano Celia Alcedo (ING), la Orquesta de la Comunidad de Madrid, el XXIV Festival Interna- cional Madrid en Danza, el espectáculo ‘Fuente- ovejuna’ (del director Laurence Boswell) y el proyecto pedagógico Trasmúsica. Además, como fruto del acuerdo entre la Comunidad de Madrid y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), el Centro de Danza será la sede de Compañía Nacional de Danza Clásica dirigida por Víctor Ullate.

Sin embargo, la inauguración de los Teatros del Canal también ha sido motivo de polémica. Debido a su coste (unos 14.000 euros por invitado) el PSOE calificó el acto como todo un “dispendio reñido con la austeridad a la que está obligado un Gobierno responsable”. La teniente de alcalde de la capital Ana Botella considera “demagógica” la crítica del PSOE por el coste de la inauguración de los Teatros del Canal y pide a los socialistas que sean “consecuentes”, porque ella recuerda “muchas inauguraciones de gobiernos del Partido Socialista en época de crisis también”.